LEGION 16
ANIME & COMICS
SABADO 05 DE SETIEMBRE DE 2009 - PRO CULTURA SALTA - MITRE 331
APERTURA: 13 HS - ENTRADAS A $12
LEGION 16 SE RENUEVA CON UN EVENTO QUE INCLUYE, ADEMAS DE PROYECCIONES DE ANIME, CONCURSOS Y JUEGOS; UN PASO Y DESARROLLO HACIA EL AMBITO CULTURAL Y SOCIAL ABRIENDO UN ESPACIO PARA LAS PRODUCCIONES INDEPENDIENTES DEL AMBITO LOCAL, TANTO DEL MARAVILLOSO MUNDO DEL COMIC, COMO DE UNA AMPLIA DIVERSIDAD DE EXPRESIONES ARTISTICAS. ESTE EVENTO INCLUYE UN ESPACIO PARA EL INTERCAMBIO ENTRE NUESTRA GENTE Y LA RIQUEZA DE LA CULTURA ORIENTAL.
LEGION 16 CUENTA CON EL APOYO DE AUSPICIANTES, AMIGOS Y COLABORADORES A LOS QUE ATENTAMENTE AGRADECEMOS POR CONFIAR UNA VEZ MAS EN UN GRUPO DE JOVENES QUE NO SE CONFORMA CON MIRAR.
CRONOGRAMA OFICIAL
13 HS. APERTURA OFICIAL
14 HS. COMIENZO DE PROYECCIONES EN SALA CERVEZA SALTA
JUEGO “DIGALO CON MIMICA” SALA 2 PLANTA BAJA
COMIENZO DE PROYECCIONES “SECTOR BIZARRO” EN SALA 1 PRIMER PISO
COMIENZO DE TORNEO DE YU-GI-OH EN SALA 2 PRIMER PISO
COMIENZO TORNEO DE PS2 EN SALA 2 PRIMER PISO
(NARUTO, A SU TERMINO DRAGON BALL, AL TERMINO GUITAR HERO)
16 HS JUEGO “TRIVIA SIMPSONS” EN SALA 2 PLANTA BAJA
CONTINUAN LAS PROYECCIONES EN SALA CERVEZA SALTA Y “EN SECTOR
BIZARRO”
17 HS “DAINICHI GROUP”
18 HS CONCURSO “ITADAKIMASU!” EN SALA 2 PLANTA BAJA
19 HS “DAINICHI GROUP”
19.30 HS “DAINICHI GROUP” - RECORDATORIO
20 HS CONCURSO DE COSPLAY – A SU TERMINO “LOLITA CONTEST” Y ENTREGA
PREMIOS DE JUEGOS Y CONCURSOS.
22 HS PRESENTACION ESPECIAL.
Y TAMBIEN: CONCURSOS DE DIBUJO, ARTISTAS EN VIVO, PRESENTACION DE “LEYENDAS”.INVITADOS: “VALENTIN” Y “COMIX ZONE”
FANS CLUBS DE: TOKIO HOTEL Y MY CHEMICHAL ROMANCE
EXPOSICION DE DIBUJO Y ARTE DIGITAL (MAR, JAVIER TOCONÁS Y GAARA)
EXPOSICION DE FOTOGRAFIA EXPERIMENTAL (MAR Y GONZALO ALANIS)
“DAINICHI GROUP”
Inspirándose en el antiguo arte del teatro Kabuki y el Noh, en su primera actuación nos traen una serie de presentaciones que además de acercarnos más a la cultura oriental nos trae una reflexión profunda sobre nuestra humanidad.
Bajo la dirección de Gonzalo Alanis.
Lecturas de interés:
KABUKI
Los caracteres kanji individuales, leídos de izquierda a derecha, significan cantar (歌 ka), bailar (舞 bu), y habilidad (伎 ki). Frecuentemente se traduce kabuki como "el arte de cantar y bailar". Existen sin embargo, caracteres ateji que no reflejan la etimología actual, y que la palabra kabuki se cree que en realidad está derivada del verbo kabuku, que significa "inclinarse", o "estar fuera de lo ordinario", de modo que el significado de kabuki puede ser interpretado también como teatro "experimental" o "extraño".
La historia del kabuki comenzó en 1603, cuando Izumo no Okuni, una miko del Santuario Izumo, comenzó a realizar un nuevo estilo de danza dramática en las riberas secas del río Kioto. Las ejecutantes femeninas interpretaban tanto los papeles femeninos como masculinos en situaciones cómicas de la vida cotidiana. Este estilo se hizo popular de una manera casi instantánea, tanto así que incluso se le pidió a Okuni que hiciera su interpretación frente a la Corte Imperial. Dado el rotundo éxito, no tardaron en aparecer rivales, y el kabuki nació como un conjunto de drama y danza ejecutado por mujeres, una forma muy diferente de su encarnación moderna. Muchas de las ejecuciones en este período fueron de carácter indecente, las ejecuciones sugestivas eran realizadas por muchas imitadoras; estas actrices estaban comúnmente disponibles para la prostitución, y los miembros masculinos de la audiencia podían requerir libremente de los servicios de estas mujeres. Por esta razón, el kabuki era también escrito como 歌舞妓 (prostituta cantante y bailarina) durante el período Edo.
1629-1652: Jóvenes masculinos kabuki
La atmósfera escandalosa y en ocasiones violenta de las ejecutantes de kabuki atrajo la atención del shogunato Tokugawa, y en 1629 las mujeres fueron expulsadas de los escenarios con el supuesto propósito de proteger la moral pública. Algunos historiadores sugieren que el gobierno estaba preocupado dado que la popularidad del kabuki dramatizaba la vida cotidiana (en vez del pasado heroico) y dio a conocer escándalos recientes, algunos de los cuales involucraban a oficiales del gobierno.
Puesto que el kabuki ya era tan popular, los actores jóvenes masculinos tomaron el lugar de las mujeres. Junto con el cambio de los ejecutantes, el género cambió a su vez el énfasis de la ejecución: la tensión creciente fue puesta más en el drama que en la danza. Estas actuaciones resultaron igualmente obscenas, y muchos actores estaban también disponibles para la prostitución (incluso para clientes homosexuales). Las audiencias se alborotaban frecuentemente, y de vez en cuando explotaban las reyertas, en ocasiones para requerir los favores de un joven actor atractivo en particular, llevando al shogunato a prohibir también las actuaciones de actores jóvenes en 1652.
Después de 1653: Hombres kabuki
Desde 1653, sólo hombres maduros podían realizar kabuki, lo que se convirtió en una forma sofisticada y altamente estilizada llamada yarō kabuki (野郎歌舞伎, "Kabuki de hombres"). Esta metamorfosis de estilo estaba altamente influenciada por el teatro cómico kyōgen (狂言), que fue extremadamente popular en este tiempo. Hoy día el "yarō" ha decaído, pero no fue hasta recientemente que los roles interpretados en el kabuki eran ejecutados sólo por hombres. Los actores que se especializaban en interpretar papeles de mujeres eran conocidos como onnagata u oyama (ambos se escriben 女形). Los onnagata comúnmente provenían de familias especializadas en este estilo. Otros dos roles principales eran aragoto (荒事, estilo áspero) y wagoto (和事, estilo suave).
El kabuki en la actualidad
En el Japón moderno, el kabuki continúa siendo relativamente popular; es el más popular de los estilos tradicionales de drama japonés, y sus actores estelares aparecen con frecuencia en papeles de cine y televisión.[7] Por ejemplo, el bien conocido onnagata Bando Tamasaburo V ha aparecido en varios papeles en diferentes obras (no kabuki) y películas; en ocasiones en papeles femeninos.
Algunas compañías teatrales actualmente utilizan actrices en los papeles onnagata, y la Ichikawa Kabuki-za (una compañía de sólo actrices) fue formada después de la Segunda Guerra Mundial. En el 2003, se erigió una estatua de Okuni cerca del distrito de Pontochō de Kioto.
El kabuki se encuentra en la lista de Obras Maestras del Patrimonio Oral e Intangible de la Humanidad de la UNESCO desde el 24 de noviembre del 2005.
Elementos del kabuki
Escena de una actuación del kabuki.
La pantalla de la derecha esconde a los músicos.El kabuki utiliza una extensión adicional del escenario conocida como hanamichi (花道; literalmente camino florido), una calzada que se extiende hasta la audiencia en donde se hacen las entradas y salidas dramáticas. Los teatros y escenarios kabuki se han ido sofisticando tecnológicamente de forma constante, y entre las innovaciones se encuentran las puertas y escenarios giratorios, introducidos en el siglo XVIII, mejorando en gran medida la escenografía en las obras kabuki.
En el kabuki, así como en otras ejecuciones de arte japonés, los cambios de escenografía son en ocasiones realizados a mitad de escenas, mientras los actores continúan en el escenario y las cortinas se mantienen abiertas. Los encargados de añadir y quitar objetos del escenario son conocidos como kuroko (黒子), van siempre vestidos completamente de negro y son tradicionalmente considerados "invisibles".
Existen tres categorías principales de obras kabuki: jidaimono (時代物, "histórica", o pre-historias del período Sengoku), sewamono (世話物, "doméstico", o pos-historias del período Sengoku), y shosagoto (所作事, piezas de danza).
Algunas características importantes del teatro kabuki incluyen el mie (見得), en el cual el actor toma una pose pintoresca para establecer su personaje. El keshō, o maquillaje, provee un elemento de estilo fácilmente reconocible incluso por aquellos que no están familiarizados con esta forma de arte. El polvo de arroz es utilizado para crear la base blanca conocida como oshiroi, y el kumadori realza o exagera las líneas faciales para producir animales dramáticos o máscaras sobrenaturales para los intérpretes.
NOH
Noh (palabra que significa “habilidad’’ o “destreza’’) es una forma de teatro tradicional básicamente espiritual del Japón que combina danza, música instrumental y canciones narrativas basadas en textos budistas, y poesía china y japonesa. Caracterizado por la economía en sus elementos y el alto simbolismo en sus medios de expresión, el teatro Noh ha tenido una influencia muy fuerte en estilos posteriores no solo de teatro sino también de danza, música y artes en general. Apareció en el siglo XIV derivado de formas tanto rituales como de entretenimiento desarrolladas durante los períodos Heian (794-1185) y Kamakura (1185-1333).
El uso de máscaras proviene de Gigaku, una forma china ya desaparecida, mientras que la danza tuvo uno fuerte influencia de Bugaku, la forma ritual de la corte imperial. La música proviene tanto de formas rituales budistas (shomyo) y shintoístas (kagura) como de formas populares como Enkyoku (música de banquetes) e Imayo (canciones populares). La transformación de todos estos elementos e influencias en lo que conocemos hoy como Noh se le debe al actor y director de Sarugaku, Kan’ami (1333-1384) y principalmente a su hijo Zeami (1363-1443) también conocido como Kanze Motokiyo.
Formalmente, el Noh se caracteriza por una austeridad escenográfica a tono con la economía de movimientos que ejecutan los intérpretes. La belleza del Noh reside en la manera de sintetizar la acción dramática en unos cuantos gestos que se ejecutan con infinita paciencia, precisión y elegancia.
La temática de las obras gira alrededor del plano humano en relación con el plano divino ancestral. Hay dos personajes básicos: “#####’’ es el principal y representa al sueño, visión o espíritu que se aparece ante el “Waki”, el testigo humano. El ambiente mágico se complementa por un coro, tambores y cuerdas que marcan el ritmo particular de las acciones.
Noh y Occidente. El teatro de fantasmas y las vanguardias. A partir de 1868, con los rápidos cambios que iban trastornando el modo de vida y los gustos de los japoneses, parecía muy difícil que el teatro Noh pudiera sobrevivir. Los artistas se desbandaron y muchos siguieron al Shogun a su exilio, pero uno que cumplía el rol secundario de acompañante del #####, tsure, Umekawa Minoru, permaneció en Tokio y continuó con las representaciones.
Pronto el teatro Noh, gracias al esnobismo de los diplomáticos y visitantes extranjeros, se convirtió en asunto de interés, primero para los estudiosos (Fenollosa) y a principios del siglo XX, gracias a las traducciones de Ezra Pound basadas en los trabajos de Ernest Fenollosa, en alimento teórico del drama occidental y la producción poética de los artistas intrigados por su simbolismo y hieratismo que estimularía a las vanguardias.
William ButlerYeats, que prologó el libro de Pound, fue el primero en analizar la simbología del Noh, e influyó en los estudiosos japoneses. Nöel Péri hizo las primeras traducciones al francés y Arthur Waley en 1921 las. Paul Claudel, Brecht, Thornton Wilder tomaron elementos de la puesta Noh para las suyas.
Por mayor información comunicarse a:
Hotshermie_alter@hotmail.com
Con la Coordinación a los teléfonos:
0387 – 154023954 (Mar – Maria Elena Moyano)
o al 0387 - 4 - 283442 (Juan Zerda)
http://www.legion16.foroactivo.net/
Recorriendo las colmadas (por completo) instalaciones del edificio, tanto de público asistente como de staff y material (ilustraciones originales, revistas de comics y manga, libros de tapas duras, novelas gráficas, posters, fanzines, muñecos de acción, accesorios, memorabilia y películas en formato DVD), se percibió en el aire una extraña sensación –para aquellos que no estamos inmersos en esta importante “subcultura”. Un sentimiento de afirmación y asombro a la vez, hacia eso que creemos casi inexistente en nuestro medio. Siempre se ha asociado a la esencia de la historieta a lo o-culto, a lo reservado solo para aquellos ávidos lectores que dejan de lado cualquier margen de socialización. Esto en cierta forma, en pos de resguardarse para una comunión entre ellos y lo que consumen fervorosamente. Los denominados freaks, otakus, los raritos. Lo contradictorio o revelante fue más bien que, durante todo el evento, esta representación o vieja teoría se diluyó por completo. En una época signada por el sedentarismo, los chicos si salen a interactuar entre sí. 
Durante la extensa jornada se proyectó (con un buen número de asistentes en la sala teatral) Tokikake (Toki wo Kakeru Shojo) y Saint Seiya, The Lost Canvas, Cap. 1-2, claros ejemplos de material demandado por un público salteño cada vez más adepto al anime oriental. Para aquellos con un gusto un tanto más anglosajón, o mcDonalizado, se optó por Wonder Woman, Movie Animated reviviendo las grandes proezas de los superhéroes americanos nunca olvidados.
En el salón la venta alarmante de ediciones y demás, manifestaba desde las mesadas un mercado casi insospechado para nuestra ciudad. Simultáneamente en el largo pasillo, varios dibujantes (entre ellos Diego Yapur de Catamarca) trabajando en vivo y en directo para su público a pedido, denotaban que el artista de la historieta parece estar siempre predispuesto a la actividad sin reparos. Elogiable. Concursos y muestras de ilustración amateur local, juegos de rol, talleres para aprender el oficio del historietista, y trivias como el “Juego de la Oca” con preguntas y desafíos acordes, movían el evento sin parar. Un planeta diferente por seguir descubriendo en Salta, aunque ya muy conocido por sus habitantes. 
AUTORES (e) INVITADOS
Antes de eso, se dispuso una charla-interrogatorio a integrantes de la revista Lazer, de Editorial Ivrea, y La Revistería (Juan Quiroga y José Ricardo Villareal). En ella se comentó y debatió el estado y el rumbo de las editoriales, principalmente a la hora de publicar manga y anime en nuestro país. La revista Lazer es una de las publicaciones mensuales de información del mundo comiquero que más se vende a nivel nacional, mientras que La Revistería es una importante distribuidora de comics y productos afines en Argentina y América Latina. Aquí fue extraño y novedoso el modo de operar entre el público y los disertantes, ya que se regalaban ejemplares a cambio de la formulación de preguntas, sin importar su calibre, profundidad, razonamiento, ni repetición encubierta. Marketing del vendedor de comic dirán algunos. Todos, por supuesto, teníamos alguna consulta para realizar. 
COSPLAY (Costume Play)
Una observación curiosa. Si bien Argentina posee una fuerte trayectoria en historietas, sus personajes casi no aparecen en este tipo de concursos a nivel local. Por ejemplo ningún Juan Salvo, del Eternauta de Oesterheld fue visto por el lugar durante la congregación. Posiblemente haya sido solo por el día. Quizás con la futura adaptación al cine de esta ya clásica historieta (inter)nacional (por la salteña Lucrecia Martel) se reavive un poco el fuego y los chicos-jóvenes miren un poco más hacia adentro.
Una expo-feria de comics reúne gente, historia, ciencia ficción, realidad, historieta, literatura, talento, mercado, cine, animación, producción, fantasía, juego, diseño, enseñanza, debate, originalidad, performance, colaboración, etc. Mucho como para restarle su verdadera importancia en la naciente cultura popular de las nuevas generaciones. La historieta en Salta parece haber emprendido un nuevo viaje que ya no tiene límites. Si bien hay que imaginar hasta donde llegará, no creo sea muy dificultoso ya que imaginación, hay bastante. Terminado el evento, yo regreso a casa con una sensación de cansancio mental y corporal. Evidentemente no salí ileso de tamaña aventura. Fue mucho para ver y pensar en tan poco tiempo, como si hubiera visitado un museo de arte abstracto o una discográfica en Buenos Aires. No es fácil entrar de golpe y salir impunemente desde tan desconocida, pero latente, dimensión.